Drama, Western: Twentieth Century Drama

2023 Forfatter: Oscar Ramacey | [email protected]. Sidst ændret: 2023-08-03 12:56

I løbet af det 20. cent., Især efter første verdenskrig, blev vestlig drama mere internationalt forenet og mindre produktet af separate nationale litterære traditioner. Gennem århundrede fortsatte realisme, naturalisme og symbolik (og forskellige kombinationer af disse) at informere vigtige skuespil. Blandt de mange dramatikere fra det 20. århundrede, der har skrevet, hvad der i vid udstrækning kan kaldes naturalistiske dramaer, er Gerhart Hauptmann (tysk), John Galsworthy (engelsk), John Millington Synge og Sean O'Casey (irsk), og Eugene O'Neill, Clifford Odets, og Lillian Hellman (amerikansk).

Ekspressionisme var en vigtig bevægelse i det tidlige drama fra det 20. århundrede. Ekspressionistiske dramatikere forsøgte at formidle de dehumaniserende aspekter af det teknologiske samfund fra det 20. århundrede gennem enheder som minimal kulisser, telegrafisk dialog, talemaskiner og karakterer, der fremstilles som typer snarere end individer. Blandt de bemærkelsesværdige dramatikere, der skrev ekspressionistiske dramaer, er Ernst Toller og Georg Kaiser (tysk), Karel Čapek (tjekkisk) og Elmer Rice og Eugene O'Neill (amerikansk). Den 20. cent. så også forsøget på genoplivning af drama i vers, men selvom forfattere som William Butler Yeats, WH Auden, TS Eliot, Christopher Fry og Maxwell Anderson producerede effektive resultater, var versdrama ikke længere en vigtig form på engelsk. På spanskde poetiske dramaer fra Federico García Lorca er placeret blandt de store spanske litteraturværker.

Tre vitale figurer fra det 20. århundredes drama er den amerikanske Eugene O'Neill, den tyske Bertolt Brecht og den italienske Luigi Pirandello. O'Neills legekrop i mange former - naturalistisk, ekspressionistisk, symbolsk, psykologisk - vandt ham Nobelprisen i litteratur i 1936 og indikerede, at det amerikanske drama kommer. Brecht skrev dramaer af ideer, normalt promulgerende socialistisk eller marxistisk teori. For at gøre sit publikum mere intellektuelt modtageligt for sine teser forsøgte han - ved hjælp af ekspressionistiske teknikker - at gøre dem konstant opmærksomme på, at de så et teaterstykke, og ikke stedfortrædende oplever virkeligheden. Også for Pirandello var det vigtigt at skabe opmærksomhed om hans skuespil som teater; faktisk den største filosofiske bekymring for hans dramaer er vanskeligheden ved at skelne mellem illusion og virkelighed.

Anden Verdenskrig og dens tilhørende rædsler frembragte en udbredt fornemmelse af den fuldstændige meningsløshed i menneskets eksistens. Denne forstand udtrykkes strålende i kroppen af skuespil, der er blevet kendt kollektivt som det absurde teater. Ved at opgive traditionelle apparater til dramaet, herunder logisk plotudvikling, meningsfuld dialog og forståelige figurer, forsøgte absurde dramatikere at formidle moderne menneskers følelser af forvirring, fremmedgørelse og fortvivlelse - følelsen af, at virkeligheden i sig selv er uvirkelig. I deres teaterstykker fremstilles mennesker ofte som dupes, klovne, der, selvom de ikke er uden værdighed, er nåde for kræfter, der er uoverkommelige.

Sandsynligvis er de mest berømte teaterstykker for det absurde teater Eugene Ionescos Bald Soprano (1950) og Samuel Beckett 's Waiting for Godot (1953). Kilderne til det absurde teater er forskellige; de kan findes i grundlaget for surrealisme, dadaisme (se Dada) og eksistentialisme; i traditionerne i musikhallen, vaudeville og burlesque; og i filmene fra Charlie Chaplin og Buster Keaton. Skuespillere, hvis værker groft kan klassificeres som tilhørende det absurde teater, er Jean Genet (fransk), Max Frisch og Friedrich Dürrenmatt (schweizisk), Fernando Arrabal (spansk) og de tidlige teaterstykker af Edward Albee (amerikansk). Den 20. centers pessimisme og fortvivlelse. fandt også udtryk i de eksistentialistiske dramaer fra Jean-Paul Sartre i de realistiske og symbolske dramaer fra Arthur Miller, Tennessee Williams,og Jean Anouilh, og i det surrealistiske skuespil af Jean Cocteau.

Noget ligner det absurde teater er det såkaldte grusomhedsteater, der stammer fra ideerne fra Antonin Artaud, der, der skrev i 1930'erne, forudså et drama, der ville angribe sit publikum med bevægelse og lyd og producere en visceral snarere end en intellektuel reaktion. Efter volden fra 2. verdenskrig og den efterfølgende trussel om atombomben virket hans tilgang særlig passende for mange dramatikere. Elementer af grusomhedsteatret kan findes i det strålende misbrugssprog i John Osborne 'Look Back in Anger (1956) og Edward Albee's Who's Bang for Virginia Woolf? (1962), i de ritualistiske aspekter af nogle af Genets teaterstykker, i de maskerede ytringer og gåtefulde tavshed fra Harold Pinter 's komedier af trussel og i den orgiastiske opgive Julian Beck's Paradise Now! (1968);det kom fuldt ud til udtryk i Peter Brooks 'produktion af Peter Weiss' s Marat / Sade (1964).

I løbet af den sidste tredjedel af det 20. cent. et par kontinentale europæiske dramatikere, såsom Dario Fo i Italien og Heiner Müller i Tyskland, skiller sig ud i teaterverdenen. Men for det meste så kontinentets lande en vægt på kreative tendenser til instruktion snarere end en blomstring af nye teaterstykker. I USA og England fortsatte imidlertid mange gamle og nye dramatikere at blomstre med mange skuespil i de senere årtier af det 20. cent. (og den tidlige 21. cent.), der gentager udviklingen i årene forud for dem.

Realisme i en række dække - psykologisk, social og politisk - fortsatte med at være en styrke i sådanne britiske værker som David Storey 's Home (1971), Sir Alan Ayckbourns Norman erobringstrilogi (1974) og David Hare' s Amy's View (1998); i irske dramaer som Brian Friels Dancing at Lughnasa (1990) og Martin McDonaghs Leenane-trilogi fra 1990; og i sådanne amerikanske skuespil som Jason Millers That Championship Season (1972), Lanford Wilsons Talley's Folly (1979) og John Guares 'Six Degrees of Separation (1990). I tråd med tidenes tid var mange af disse og andre værker i perioden præget af elementer af vidd, ironi og satire.

En vittig surrealisme karakteriserede også noget af det sene 20. centers teater, især det strålende ordspil og overraskende sammensætninger af de mange teaterstykker i Englands Tom Stoppard. Derudover udforskede to af Amerikas vigtigste dramatikere fra slutningen af det 20. århundrede, Sam Shepard og David Mamet (såvel som deres tilhængere og efterligere) den amerikanske kultur med en slags hyperrealisme blandet med ekko af grusomhedsteatret i førstnævnte Buried Child (1978), sidstnævnte Glengarry Glen Ross (1983) og andre værker. Mens hver udstillede sin egen meget karakteristiske stemme og vision, opnåede begge dramatikere mange af deres effekter gennem skarpe indstillinger, stramt sprog i reservedialog, meningsfulde tavshed, fremspringet af en kraftig trussel og udbrud af reel eller underforstået vold.

De sene årtier af det 20. århundrede var også en tid med betydelig eksperiment og ikonoklasme. Eksperimentelle dramaer fra 1960'erne og 70'erne af grupper som Beck's Living Theatre og Jerzy Grotowski 's Polish Laboratory Theatre blev efterfulgt af en blanding og fusion af forskellige slags medier med aspekter af postmodernisme, improvisationsteknikker, performancekunst og andre former for avant -garde teater. Nogle af tidens mere innovative bestræbelser omfattede produktioner fra teatergrupper som New Yorks La MaMa (1961–) og Mabou Mines (1970–) og Chicagos Steppenwolf Theatre Co. (1976–); den canadiske forfatter-instruktør Robert Lepagees intrikate, undertiden flersprogede værker, f.eks. Tectonic Plates (1988); den opfindelige enmanns viser af sådanne monologer som Eric Bogosian, Spalding Gray og John Leguizamo;de overtrædende tragedrammer fra Charles Ludlams latterlige teater, fx The Mystery of Irma Vep (1984); og de operatiske multimedieekstravaganser af Robert Wilson, fx White Raven (1999).

Tematisk tilvejebragte de sociale omvæltninger fra 1960'erne, 70'erne og 80'erne - især borgerrettigheder og kvindebevægelser, homoseksuelle befrielser og AIDS-krisen drivkraft til nye skuespil, der udforskede mindretals og kvinders liv. Fra Lorraine Hansberry 's A Raisin in the Sun (1959) fremkom drama af og om afroamerikanere som en markant teatertrend. I 1960'erne spiller skuespil som James Baldwins Blues for Mr. Charley (1964), Amiri Barakas brændende hollænder (1964) og Charles Gordones No Place to Be Somebody (1967) udforsket sort amerikansk liv; forfattere inklusive Ed Bullins (f.eks. The Taking of Miss Janie, 1975), Ntozake Shange (f.eks. for farvede piger, der har overvejet selvmord, når regnbuen er Enuf, 1976) og Charles Fuller (f.eks. et soldats spil, 1981) bar disse temaer ind i senere årtier. En af de mest karakteristiske og produktive af århundredets afrikansk-amerikanske dramatikere, August Wilson, debuterede på Broadway i 1984 med Ma Raineys sorte bund og fortsatte med at definere den sorte amerikanske oplevelse i hans igangværende dramatiske cyklus ind i det næste århundrede.

Feministiske og andre kvindecentrerede temaer dramatiseret af moderne kvindelige dramatikere var rigelige i 1970'erne og udvidede i de følgende årtier. Væsentlige figurer omfattede Englands Caryl Churchill (f.eks. De vittige Top Girls, 1982), den cubanske-amerikanske eksperimentator Maria Irene Forńes (f.eks. Fefu og hendes venner, 1977) og amerikanske realister, herunder Beth Henley (f.eks. Crimes of the Heart, 1978), Marsha Norman (f.eks. 'Night Mother, 1982) og Wendy Wasserstein (f.eks. The Heidi Chronicles, 1988). Faglærte monologer leverede også provokerende en-kvindes shows med kvinder som Eve Enslers The Vagina Monologues (1996) og forskellige solo teaterforestillinger af Lily Tomlin, Karen Finley, Anna Deveare Smith, Sarah Jones og andre.

Homoseksuelle temaer (ofte i værker af homoseksuelle dramatikere) markerede også de senere årtier af det 20. cent. Homoseksuelle karakterer var blevet behandlet sympatisk, men i sammenhæng med patologi i sådanne tidligere værker fra det 20. århundrede som Lillian Hellmans The Children 's Hour (1934) og Robert Andersons Tea and Sympathy (1953). Homoseksuelle emner blev præsenteret mere eksplicit i løbet af 1960'erne, navnlig i de engelske farer fra Joe Orton og Matt Crowleys vittige, men dystre portræt af det amerikanske homoseksuelle liv før dronningen, The Boys in the Band (1968). I senere år blev homoseksuelle oplevelser udforsket hyppigere og med større variation og åbenhed, især i Storbritannien i Martin Shermans Bent (1979) og Peter Gill's Mean Tears (1987) og i De Forenede Stater i Jane Chambers 'Last Summer at Bluefish Cove (1980)), Harvey Fierstein 's Torch Song Trilogy (1981), Larry Kramer's The Normal Heart (1986), David Henry Hwangs M. Butterfly (1988), som også beskæftigede sig med asiatisk identitet, og Paul Rudnicks Jeffrey (1993). Tony Kushners anerkendte todelt engle i Amerika (1991-1992) betragtes generelt århundredets mest geniale og innovative teaterbehandling af den moderne homoseksuelle verden.

• Introduktion
• Dronning af det 18. århundrede
• Nittenhundrede århundrede drama
• Drama fra det tyvende århundrede
• Græsk drama
• Renæssancedrama
• Drama fra 1750 til 1800
• Romerske drama
• Bibliografi
• Middelalderlig drama